Продолжаю начатый на прошлой неделе рассказ о спектаклях программы Russian Case Российской национальной театральной премии “Золотая маска”. Спектакли расположены в алфавитном порядке.
“Норма” по мотивам романа В.Сорокина. Совместный проект театра на Малой Бронной и “Мастерской Брусникина”, Москва. Драматург – Валерий Печейкин. Режиссер – Максим Диденко. Композитор – Алексей Ретинский. В спектакле участвуют: приглашенный артист Евгений Стычкин; артисты “Мастерской Брусникина” и театра на Малой Бронной. Премьера – 6 ноября 2019 года.
Повторю то, что написал в прошлом обзоре: в России театр – пока еще территория свободы. Вокруг да около – тюрьма, но на театральных подмостках возможно все. Это радует, удивляет, поражает, как и то, что в составе программы два спектакля по произведениям Сорокина. Наше время требует именно такого автора, и режиссеры все активнее берутся за него. Максим Диденко говорит: “Этот текст, как сверло, которое вынимает метафизическую основу русского сознания. Понятие нормы с одной стороны статичное, но в то же время текущее: норма постоянно меняется, время течет, жизнь идет, мы меняемся и не замечаем, как нормой становится то, что какое-то время назад было невозможно представить… Этот текст, как ребус, который хочется разгадать”. Диденко “разгадывает ребус” пластическим способом. Спектакль “Норма” интересен прежде всего визуальным прочтением. Имперский стиль завораживает и страшит. На фоне и часто вместо слов – парады и архитектурные композиции из тел. “Нормальная водка, нормальная Светка, нормальная вечеринка…” Хороший спектакль. Премьера прошла на сцене Московского Дворца на Яузе, в этом году спектакль переехал на основную сцену театра на Малой Бронной.
“Пиноккио. Театр” по пьесе Андрея Вишневского “Безумный ангел Пиноккио”. Электротеатр Станиславский, Москва. Режиссер – Борис Юхананов. Композитор – Дмитрий Курляндский. В ролях: Мария Беляева и Светлана Найденова (Пиноккио), Алла Казакова, Серафима Низовская, Олег Бажанов, Юрий Дуванов, Дмитрий Чеботарев, Виталий Тереховский. Премьера – 21 ноября 2019 года.
В Электротеатре Станиславский снова играют Сказку. Снова, потому что в проекте Stage Russia несколько лет назад мы увидели один из эпизодов “Сверлийцев”. На этот раз Борис Юхананов обратился к пьесе своего однокурсника Андрея Вишневского. Историю о “безумном ангеле Пиноккио” они задумали еще в семидесятых. И вот, не прошло и сорока лет, как вышел диптих Юхананова. В первой части (“Пиноккио.Лес”) Пиноккио рождается и знакомится с миром, во второй – уходит в мир театра. Мы увидели вторую часть. Спектакль длинный, но смотрится на одном дыхании. Постановка получилась невероятно красивой, в стиле театра дель арте. Для работы с актерами театр пригласил режиссера-педагога Алессио Нардина, ученика Ферруччо Солери, специалиста по работе с масками. Маски, кстати, ручной работы, прямо из Венеции… “Пиноккио. Театр” – это объяснение в любви Театру. Здесь много переодеваний, гэгов, обыгрываний классических (и не только) текстов от “Медеи” до “Взрослой дочери молодого человека”. Культовый спектакль Анатолия Васильева по пьесе Виктора Славкина хорошо помнят театралы со стажем – премьера состоялась в здании театра (тогда он назывался скромнее – Московский театр имени Станиславского). Здесь много сказочных и исторических персонажей (Генрих фон Клейст – чуть ниже он появится в нашем обзоре еще раз, Гете, Эдгар По, Мэри Шелли и “примкнувший к ним наш дорогой” Леонид Ильич Брежнев – он же Король Солнце) и при этом серьезных размышлений об актерской игре, причинно-следственных связях между сценой и зрительным залом. Равноправным участником действия, наряду с актерами, является прекрасная музыка Дмитрия Курляндского. Вместе с музыкой, Пиноккио и его друзьями хочется туда, в “прекрасное далеко” чистого Искусства.
“Разбитый кувшин” по пьесе Генриха фон Клейста. Театр Наций, Москва. Режиссер – Тимофей Кулябин. В ролях: Виталий Коваленко (Адам), Ингеборга Дапкунайте (Вальтер), Олег Савцов (Лихт), Юлия Свежакова (Марта Рулль), Серафима Красникова (Ева). Премьера – 3 сентября 2020 года.
Один из самых традиционных спектаклей программы с актуальной проблематикой. Коррупция в голландской глубинке, ревизор из Брюсселя с проверкой… – невозможно поверить, что пьеса сочинена немецким драматургом XVIII (!) века. Интересная деталь: министр пропаганды Третьего рейха Йозеф Геббельс усмотрел в образе судьи-пройдохи Адама карикатуру на самого себя и запретил вышедший в 1937 году фильм с Эмилем Яннингсом в главной роли. На российской театральной сцене пьесу не ставили, хотя в русском переводе она выходила. Имена поэтов говорят сами за себя: Пастернак и Сологуб. В советские времена, наверно, тоже боялись нежелательных сравнений и ассоциаций. Тимофей Кулябин называет постановку “анекдотом” и добавляет, что “действие спектакля происходит в маленьком европейском городке в будущем времени”. “Оптимист”-режиссер не ждет ничего хорошего от Европы будущего… Остроумный текст звучит в исполнении замечательных актеров, среди которых выделяется Ингеборга Дапкунайте в роли инспектора Вальтера.
“Сказка про последнего ангела” по произведениям Романа Михайлова и сказке Алексея Саморядова. Театр Наций, Москва. Режиссер – Андрей Могучий. В ролях: Павел Рассомахин/Данила Рассомахин (Андрей), Павел Комаров (Игнат), Глеб Пускепалис (Леусь), Муся Тотибадзе (Оксана), Лия Ахеджакова (соседка Оксаны), Анна Галинова (бабушка Оксаны/Врач), Алексей Миранов (дядя Леша), Антон Ескин (Черный). Премьера – 1 ноября 2019 года.
От “безумного ангела Пиноккио” Вишневского-Юхананова к “последнему ангелу” Михайлова-Могучего. Оба спектакля – большой формы, оба – соперники в главных номинациях на “Золотую маску”. Только если Юхананов занимается искусством, не привязанным к конкретному времени, то Андрей Могучий сделал спектакль о том, как жилось обычным людям в девяностые годы XX века, в те самые “лихие девяностые”. Именно тогда главный герой Андрей Самойленко (у него раздвоение сознания, поэтому в спектакле героев два, их роли исполняют братья-близнецы Павел и Данила Рассомахины) попал в психиатрическую больницу, где на стене висит большой отрывной календарь. На дворе – 1993 год, но обитатели психушки не смотрят телевизор, им нет дела до схватки президента с Верховным советом и расстреле Белого дома. Рядом с ними – санитары, врачи-надзиратели и палата N1, где лечат непослушных и живет абсолютное Зло по имени Черный. Андрей встречает странных “людей тайн”, как говорят о них в спектакле: заикающегося большого ребенка Игната и племянника священника Леуся. Они становятся его друзьями, он убегает из больницы, начинается их совместное путешествие из Москвы в Минск и обратно в Москву в поисках прекрасной одноклассницы Оксаны, которая, как в сказке – а как же иначе? – станет женой Андрея и они заживут долго и счастливо. Чтобы ни у кого не осталось никаких сомнений, Леусь берет с собой тумбочку, выполняющую роль алтаря. Все свое носим с собой… Магия спектакля поразительна. На сцене царит странный полуреальный-полугротескный мир, повседневная жизнь существует рядом со снами-фантазиями, а вполне конкретный сюжет превращается в метафизическую притчу о поиске смысла жизни. И совершается чудо – мы проникаемся симпатией к героям, верим, что они могут изменить мир своей искренностью, честностью, любовью. Изобретательная режиссура и блестящий актерский ансамбль делают спектакль значительным событием российского театрального сезона.
“Слово о полку Игореве” по пьесе Саши Денисовой. Театр на Малой Бронной, Москва. Режиссер – Кирилл Вытоптов. Композитор и аранжировщик – Владимир Горлинский. В ролях: Аскар Нигамедзянов, Дмитрий Варшавский, Лина Веселкина, Владимир Яворский, Леонид Тележинский, Дмитрий Цурский. Премьера – 20 ноября 2019 года.
Связать русский эпос XII века с вербатим – документальными историями охранников – такую задачу поставили перед собой драматург Саша Денисова и режиссер Кирилл Вытоптов. Получилось неожиданно и остроумно. Денисова говорит: “Вербатим по-прежнему остается важнейшим инструментом театра и, возможно, единственным, способным сильно подключить артиста к реальности и к спектаклю, быть соучастником процесса, соавтором, художником своей роли. Вербатим, возможно, и есть сегодня то самое “Слово…” – памятник новой русской литературы”.
Одним из главных ньюсмейкеров прошлого театрального сезона в Москве оказался театр на Малой Бронной. После ухода Эфроса театр переживал тяжелые времена. Я помню, как билеты на спектакли театра давали в нагрузку к билетам в Ленком, Таганку, Маяковку. С приходом Богомолова о театре снова заговорили, он стал модной площадкой, где воплощаются интересные проекты. В рамках программы Russian Case – сразу три спектакля театра. Кроме “Слова…”, это – “Бесы Достоевского” Богомолова и “Норма” Диденко. Кстати, все чаще в названии театра опускают слово “Малой”, оставляя только “Театр на Бронной”. Желание ли это Богомолова или совпадение, мне неизвестно, но пока я буду придерживаться традиционного словосочетания.
“Сын” по пьесе Флориана Зеллера. Российский академический молодежный театр (РАМТ), Москва. Режиссер – Юрий Бутусов. Композитор – Фаустас Латенас. В ролях: Александр Девятьяров (Пьер), Евгений Редько (Николя), Татьяна Матюхова (Анна), Виктория Тиханская (София). Премьера – 28 октября 2020 года.
Наверно, самый страшный спектакль программы. Самый, потому что он не прикрывается сказочными историями и не отсылает к истории. Он – о разрушении связей между самыми близкими людьми, об отсутствии контакта, о боли и страдании в пределах одной отдельно взятой семьи. Отсюда – резкие движения, эксцентричные танцы, грубые наскоки друг на друга, бессмысленные объяснения и – снова по кругу – движения, танцы… Истеричность героев и абсолютное, тотальное одиночество, крик вместо шепота, шум вместо молчания. Кажется, Бутусов доходит в этом спектакле до самой сути человека и, устрашаясь бездне его отчаяния, заводит все новую и новую мелодию, все новый и новый сумасшедший танец. После многолетних опытов работы с классиками (Шекспир, Чехов, Брехт, Булгаков) режиссер обращается к современной драматургии и впервые на русском языке инсценирует третью часть семейной трилогии Зеллера (“Мать”, “Отец”, “Сын”). Бутусов говорит, что “эта пьеса о Гамлете в каждом из нас. В вынужденных компромиссах, в необходимости соглашаться с тем, с чем не хочет мириться, человек разрушает свою природу, веру в идеальный мир, то, что Шекспир назвал “квинтэссенцией всего живущего”. Идеализм, неприятие несправедливости в человеке невозможно уничтожить. Ничего тут нельзя изменить. Правильно это или неправильно – каждый решает сам… Еще это очень русская пьеса. Читая историю этого мальчишки, думаешь об Иванове, Зилове и всех “лишних людях” русской литературы. Дело не в подростковой депрессии, а в тех экзистенциальных вопросах, которые стоят перед всеми нами”. В спектакле работают невероятно пластичные актеры. Все прекрасно не только играют, но и двигаются, танцуют. “Сын” – последний спектакль с музыкой Фаустаса Латенаса. Замечательный литовский композитор, известный своими совместными работами с Римасом Туминасом в Вахтанговском театре, умер через пять дней после премьеры, 3 ноября 2020 года. Ему было шестьдесят четыре года.
“Финист – Ясный сокол” по пьесе Светланы Петрийчук. Независимый театральный проект “Дочери СОСО”, Москва. Режиссер – Женя Беркович. Композитор – Ольга Шайдуллина. В ролях: Анастасия Сапожникова, Наташа Горбас, Юлия Скирина, Мариэтта Цигаль-Полищук, Ира Сова, Маргарита Толстоганова, Наталия Сапожникова, Леоника Константинова, Светлана Сперанская. Премьера – 21 декабря 2020 года.
Однажды юная девушка попросила отца привезти ей в подарок соколиное перышко. И превратилось перышко в заколдованного доброго мОлодца. Но не судьба была девице счастье так просто получить. Злые сестры ранили сокола, и он улетел. Казалось, навсегда. Девушка отправилась искать его за тридевять земель в тридесятое царство. Нашла, расколдовала, и стали они жить-поживать да добра наживать. Занавес. Так было в русской народной сказке “Финист – Ясный сокол”. А в жизни все не так. Об этом – феминистский (над спектаклем работали только женщины) проект, соединяющий старорусские наряды и традиции с вербатим – протоколами допросов женщин. Мы узнаем реальные истории русских девушек из России, Казахстана, Узбекистана, решивших виртуально выйти замуж за представителей радикального ислама и уехать в Сирию. Все начинается с пародии на женский стендап (Анастасия Сапожникова), а заканчивается вполне серьезной философской притчей о людях, которые бегут от постсоветского быта и попадают в еще более страшные условия. Документальная основа спектакля решена в псевдорусском стиле, а спектакль идет в Боярских палатах, поэтому все эти яркие коврики, сарафаны, кокошники, народные мотивы выглядят вполне в тему, если бы не страшные истории несчастных женщин – героинь спектакля… Как-то жутко становится после такого перформанса. Новая русская страшная НЕ сказка – быль…
“Человек без имени”. Пьеса Валерия Печейкина по произведениям князя В.Одоевского. “Гоголь-центр”, Москва. В главной роли – Никита Кукушкин. Редкий пример “горизонтального театра” – “коллективное сочинение” четырех авторов: композитора-исполнителя Петра Айду, сценографа Александра Барменкова, актера “Гоголь-центра” Никиты Кукушкина, режиссера (основателя и до конца февраля художественного руководителя) “Гоголь-центра” Кирилла Серебренникова.
Князь Одоевский (1804-1869) – личность в русской истории весьма любопытная. Его интересы были поистине безграничны. Писатель – автор первой русской антиутопии, романа “4338 год: Петербургские письма”, философ, руководитель тайного “Общества любомудрия”, общественный деятель, мыслитель, алхимик, создатель музыкальных инструментов… Один из них – энгармонический клавицин (молоточковое фортепиано) – хранится в Музее музыкальной культуры имени Глинки в Москве. А еще он обожал готовить, придумывал изысканные рецепты и устраивал званые ужины. Друзья и литературоведы называли его “русским Фаустом”, а хозяйка Московского литературного салона графиня Евдокия Ростопчина придумала для него титул поинтереснее: “Ваше алхимико-музыко-философско-фантастическое сиятельство”. В спектакле мы встречаемся с князем… на карантине. Он пишет, читает, мыслит, рассуждает, готовит еду, сочиняет музыку, изобретает инструменты. Отсюда – темы спектакля: философия и музыка, политика и кулинария… Харизматичный Никита Кукушкин работает как человек-оркестр. Хотя нет, не КАК оркестр, а С оркестром. Специально для спектакля Петр Айду (в стиле князя О.) создал уникальный инструмент – пангармоникон. Состоит он из десяти механических фортепиано. Спектакль – это Концерт для Актера с оркестром. Актер (Кукушкин) работает автономно, а оркестром “дирижирует” Айду. Он стоит за пультом и нажимает кнопки. Внутри одного из инструментов нагреваются стеклянные трубы, и происходит звук, внутри другого расположены бокалы, тарелки, кастрюля, и все это тоже превращается в музыку. Странно, необычно, красиво… Самый свежий спектакль программы – премьера состоялась 26 февраля 2021 года.
Посмотреть за шесть дней двадцать три спектакля почти невозможно, поэтому что-то я смотрел внимательно, что-то – к сожалению, на ускоренной перемотке. Ко второму списку относятся следующие спектакли:
“Дуб Майкла Крейг-Мартина” по мотивам театральной работы Тима Крауча – эксперимент по воспроизведению реальности путем вовлечения зрителя в спектакль. Импровизация в этом смысле неизбежна. Режиссер и исполнитель Илья Мощицкий говорит: “Уникальность ситуации в том, что зритель, входящий в спектакль, оказывается сразу и персонажем, и медиумом, и просто человеком из зала без имени и биографии, и функцией спектакля, и самим спектаклем. Он преодолевает сценическую реальность неподготовленной репетициями психикой, входит в каждую сцену, не зная, чего ожидать и к чему готовиться. Это буквально попытка сыграть спектакль с первой читки, существовать в сценической условности, не имея возможности править, настраиваться, привыкать. Все как в жизни, с первой попытки” (Временное объединение “Хронотоп”, Санкт-Петербург, премьера – 25 сентября 2020 года);
“Исследование ужаса” по текстам Леонида Липавского, Даниила Хармса, Якова Друскина, Александра Введенского. Спектакль основан на аудиозаписи разговора Липавского с членами литературной группы русского авангарда ОБЭРИУ (Объединение реального искусства). Разговор этот произошел в тридцатые годы в квартире Липавского в Санкт-Петербурге. И вот в современной питерской квартире – бывшей коммуналке – воссоздаются разговоры, которые вели Хармс, Заболоцкий, Введенский, Олейников. Зрители вместе с актерами чистят картошку, готовят ужин, едят, пьют, разговаривают… Образец театра, стирающего границу между сценой и залом. По мнению куратора программы Марины Давыдовой, спектакль стал одним из важнейших театральных событий последних лет. К сожалению, многое теряется, когда смотришь такие постановки на экране компьютера. (Режиссер – Борис Павлович, инсценировка Элины Петровой, театральный проект “Разговоры” фонда “Альма матер”, Санкт-Петербург, премьера – 30 января 2019 года);
“Книга Серафима” – камерная опера Александра Белоусова по поэме Уильяма Блейка “Книга Тэль” и фрагменту романа Ф.Достоевского “Бесы” (режиссер и композитор – Александр Белоусов, Электротеатр Станиславский, Москва, премьера – 20 февраля 2020 года);
“Королевство кривых” по пьесе Арсения Фарятьева – трагическая история о людях, пытающихся сопротивляться репрессиям тоталитарного государства, на сюжет известного советского фильма “Королевство кривых зеркал”. В спектакле звучит партита “Семь слов” для виолончели, баяна и струнного оркестра С.Губайдулиной (режиссер – Антон Федоров, Татарский драматический театр, Альметьевск, Татарстан, премьера – 28 февраля 2020 года);
“Мороз, красный нос” – камерная опера Алексея Сюмака на текст поэмы Н.Некрасова (режиссер – Марина Брусникина, художник – Ксения Перетрухина, театр “Практика”, Москва, премьера – 24 декабря 2019 года);
“Наблюдатели” – исследование ужасов эпохи ГУЛАГа на основе писем и дневников репрессированных, а также предметов, привезенных из экспедиций на Чукотку и Колыму. Спектакль сочетает в себе элементы театра кукол, “предметного театра” и музыкального перформанса. Три номинации на премию “Золотая Маска”-2020 в категории “Театр кукол”: за лучшие спектакль, работу режиссера и художника (авторы идеи – Михаил Плутахин и Петр Волков, режиссер – Михаил Плутахин, художник – Ольга Галицкая, Музей истории ГУЛАГа и Театр предмета, Москва, премьера – 21 марта 2019 года);
фрагменты спектакля “Сеанс одновременной игры” – эксперимент в жанре танцевального интерактивного представления, где хореограф предлагает сценарий, а у зрителей есть возможность вмешаться и изменить ход игры (автор проекта – Анна Абалихина, Театр “Балет Москва”, фестиваль “Территория”, Москва, премьера – 20 октября 2020 года);
“Университет птиц” – иммерсивный саунд-спектакль в выставочном пространстве “Боярские палаты” (в здании российского СТД), где в качестве перформеров выступают музыканты, а предметом исследования являются птицы. По словам Марины Давыдовой, спектакль “иллюстрирует и развивает идеи философа и страстного критика идеи антропоцентризма Бруно Латура, считающего, что если мы откажемся от привычки смотреть на природу как на царство, в котором доминируют люди, у нас будет больше шансов выжить” (художники – Шифра Каждан, Леша Лобанов, Александра Мун, Ксения Перетрухина; Ольга Власова, вокал; Наталья Соколовская, фортепиано; “Театр взаимных действий”, фестиваль “Территория”, Москва, премьера – 16 октября 2020 года).
Вне основной программы был представлен спектакль “Медведь” по одноактной пьесе А.Чехова в постановке Владимира Панкова – совместный проект Центра драматургии и режиссуры (Россия-Узбекистан-Беларусь) и Международного театрального фестиваля имени А.Чехова. Премьера – 24 июня 2019 года. Изобретательная и остроумная постановка с живой музыкой. Смотреть спектакль стоит только ради прекрасной актерской пары: Елена Яковлева – Александр Феклистов.
Это еще не все о спектаклях. О критериях отбора, “авторской программе” и расцвете театрального искусства в России мне рассказала театральный критик, главный редактор журнала “Театр.”, куратор программы Russian Case Марина Давыдова. Интервью с ней читайте в следующем выпуске нашей газеты.
